miércoles, 28 de marzo de 2012

ERIC SARDINAS AND BIG MOTORS (2008)



Nunca he sido muy partidario de los discos de guitar-heros, ni siento especial admiración por aquellos músicos que usan su instrumento únicamente para lucimiento personal en lugar de utilizarlo para hacer buenas composiciones, por lo que miraba con cierto recelo el nuevo lanzamiento del guitarrista americano Eric Sardinas, uno de los más reconocidos artistas surgidos en los últimos años en tierras americanas, debido a su mezcla entre el blues más clásico y el rock and roll con toques sureños que tan buenos resultados está dándole, sobretodo en directo.

Para esta ocasión se ha juntado con los Big Motor(una base rítmica espectacular) para ofrecer el cuarto lanzamiento de su carrera, siendo la formación de trío ideal para este tipo de rock and roll.

La sensación de dudas que me albergaba se pierde a los dos segundos de escuchar la primera canción, y desaparece totalmente a lo largo del disco. De buenas a primeras nos encontramos con el primer cañonazo, “All I Need”. Un arpeggio inicial de Eric da paso a la base rítmica con un sonido entre el rock sureño y el hard rock macarra, acompañado de un estribillo excepcional y unos solos más que notables, siendo de los temas más rápidos y pegadizos que nos encontraremos a lo largo del disco. “Ride” ralentiza el ritmo anterior convirtiéndose en un tema más accesible para las radiofórmulas, un tema entre el funky y el rock, con la incorporación de dos coristas femeninas y otro gran estribillo a ritmo de palmas.
El comienzo surfero de “Find my heart” es magnífico, muy en la onda de los Beach Boys más alegres, que también podría servir como melodía para alguna de las series americanas que aparecen en televisión en épocas veraniegas. La parte intermedia emula a los Queen de la época “The Game”, siendo este tema el particular “Crazy Little thing called love” del guitarrista americano. A continuación se escucha una canción que podría haber sido cantado sin dudas por el gran Elvis, “Gone to Memphis” evoca la onda más clásica del rock en sus tres minutos y medio de duración, participando de nuevo las voces femeninas en el remate del estribillo. 

 “It´s nothing new” es otro buen tema de rockn’roll más clásico, aunque debido a la gran colección de temas anteriores queda en un plano inferior, como le sucede a “This time”, siendo este un tema más bien de relleno, pese a los intentos de Eric en adornarlo con un par de buenos solos de guitarra. No mejora mucho la cosa con “Just like that”, el más fuerte del disco, donde canta de manera más desgarrada, pero poquito más que sacar de él más allá de la buena interpretación de nuevo con las seis cuerdas.
La cosa se anima con la primera versión de las dos que aquí encontraremos, el “Burning Love” de Elvis Presley, un tema que le viene que ni pintado a esta formación, ofreciendo toda una demostración de lo que es coger un clásico del rock y tocarlo en el 2008 con el mismo feeling con el que sonaba unas cuantas décadas antes. 

De aquí hasta el final el disco vuelve a decaer, siendo lo mejor de lo restante la segunda versión realizada, “As the crows flies” del también referente clásico Rory Gallagher.
En resumen, podríamos decir que el sabor resultante es más bien agridulce. Eric Sardinas ha fabricado un disco donde escuchar de manera magnífica varias de las muchas vertientes del rock (desde lo más clásico al sureño, pasando por el hard rock), con muy buenas composiciones en su inicio pero que a lo largo del disco van diluyéndose frente al impacto inicial. La producción es inmensa a cargo de Matt Grubber, y los músicos se muestran excelsos en casi todos los momentos, destacando cómo no Eric Sardinas tanto en su faceta vocal como en la musical, pero lo que parecía un disco de Sobresaliente finalmente se queda en el Aprobado alto, y es realmente una pena ya que las expectativas iniciales lo encaminaban a disco del año. 



ANDRÉ MATOS - Time to be free (2008)



Si preguntáramos por el grupo brasileño más famoso que ha dado el heavy metal en los últimos 15 años(sin contar a Sepultura) seguramente muchos dirían el nombre de Angra, por discos como “Angel´s cry” o “Holy Land” que son ya clásicos del género. Su cantante, André Matos, conocido también por sus comienzos en Viper o su carrera en Shaman (Shaaman posteriormente por asuntos legales), nos trae su primer disco en solitario, con una banda llamada como él mismo (y que nadie le llame egocéntrico). 

Para esta nueva aventura en solitario se ha rodeado de una serie de músicos heterogéneos en procedencias y orígenes pero comunes en haber compartido alguna etapa en la ya extensa carrera de André junto a él. Por un lado tenemos a los hermanos Mariutti, con quienes coincidió en Shaman(y con Luis también en Angra). Andre Hernandes ex -Viper se suma a las guitarras, y la sorpresa del disco, un jovencísimo batería brasileño de 16 años, Eloy Casagrande, que encandiló a Matos que sin dudarlo le ofreció un puesto a las baquetas para su nueva andadura. Además, aparece Fabio Ribeiro con el que compartió giras en los tiempos de Angra.

En la producción se juntan dos de los productores más reconocidos del estilo, por un lado Sascha Paeth (Heavens Gate, Rhapsody, Kamelot, Shaman y tantos otros) y por otro Roy Z, conocido por sus trabajos con Judas Priest, Helloween o Bruce Dickinson. La portada, eso sí, es bastante horrorosa, simulando un dibujo de André en un parque con bastante poca gracia.

Empieza el disco con “Letting go” tras una breve intro, un tema que nos sirve para recordar tiempos pasados pero a su vez mostrándonos una cara más potente, más rabiosa, más heavy en definitiva. Con diversos cambios de ritmo y varias partes distintas, resulta un tema brillante, tanto vocalmente como en la parte instrumental. “Rio”, con un nombre que no disimula sus orígenes, es un tema de heavy clásico que bien podría venir firmado por los Helloween actuales (se nota la mano de Roy en este tipo de temas). Guitarras muy duras, riffs machacones y un estribillo directo. La música brasileña no podía faltar en este tema, y ello se demuestra con una parte central a cargo de Fabio, previa al regreso del doble bombo y la rapidez original.

“Remember Why” tiene un comienzo relajado, a ritmo de tabalet, pero desemboca en otro tema rápido, de estribillo clásico, doble bombo en el post-estribillo y unos solos neoclásicos a cargo de Luis y Hernándes  que redondean otro buen tema, cuyo final podría recordar levemente al famoso “Carry On”. “How Long”, el último tema que se compuso para este disco, pasa por ser el más típico del álbum, pero no por ello deja de ser destacado ya que hoy en día no es fácil encontrar buenos temas de hard rock clásico, y éste lo es, con un trabajo magnífico de nuevo de los dos hachas.

En “Looking Back” la cosa empieza a tomar otro cariz, escuchando las primeras acústicas y su posterior desarrollo, pasa a ser un medio tiempo,  casi balada, que sin ser nada del otro mundo está bien situado en el orden de reproducción. André Matos y Alberto Rionda, líder de Avalanch, coincidieron en una anterior gira de sus respectivas bandas, y tras la colaboración de André en el disco “Los poetas han muerto”, parece que han mantenido la amistad ya que ahora Alberto le devuelve la invitación aportando su ayuda en la composición del siguiente tema, “Face the end”. Un tema muy elaborado, progresivo, de ritmo denso, piano de fondo y un Matos excepcional en una vertiente más moderada, melancólica inclusive. Pese a ello, no llega a romper del todo, yo al menos esperaba más de esta colaboración, conociendo la gran labor como compositor de Alberto. “Time To Be Free” recupera el ánimo siendo otro tema con muchas variantes, mezcla de música tribal, ritmos nativos, hard rock y heavy metal, ayudado por el mejor estribillo del disco a ritmo de doble bombo, siendo además del título del disco, la mejor canción incluída en él.

Tras el oscuro “Rescue” nos llega “A New Moonlight”, el pequeño homenaje que realiza Matos a la obra de Queen, tratándose de una mini-opera rock con un coro de voces perfecto para la ocasión y diversos cambios a lo largo de los casi nueve minutos de tema. Quizá se excede de pretencioso, pero consigue redondear una buena canción con una original propuesta.  Cierra el disco “Endeavour”, un tema de power metal optimista y alegre,  y un gran trabajo a las teclas sobretodo en el final de la canción, con esas notas épicas que  cierran el álbum.

Disco muy interesante el ofrecido por Andre Matos en su primera entrega en solitario, más directo, rápido y clásico de lo que venía experimentando en sus tiempos de Shaman, con una base muy centrada en guitarras bajo y batería y no tanto en teclados como en sus inicios con Angra, con alguno de los temas más rápidos de su carrera pero no por ello sin experimentar en otros terrenos,  y con muy buen gusto además, tanto a la hora de componer como de rodearse de grandes músicos. No es “Angel´s cry” ni  “Holy Land”, ni tan siquiera llega al nivel del “Ritual” de Shaman, pero sinceramente puede competir de tú a tú con los Angra actuales y eso es ya muy positivo para el cantante. 


STORMWARRIOR - Heading Northe (2008)



Recuperamos este disco de los speedícos Stormwarrior, recomendable!

En el mundo del rock y más concretamente en el heavy metal venido de Alemania, una de las corrientes que más éxito tuvo –y sigue teniendo- es el speed metal alemán que practicaron Helloween en su disco debút y continuaron después tantas y tantas bandas. Una de ellas es la que os traemos sobre estas líneas, Stormwarrior. Sus influencias más reconocidas aparte de las calabazas (no en vano hicieron incluso un concierto de homenaje al “Walls of Jericho” con la colaboración de Kai Hansen), son otros clásicos germanos como Running Wild, los primeros Rage o los propios Accept.


En su cuarto lanzamiento, siguen con una propuesta que combina las posturas más true  del metal, con continuas referencias a la mitología nórdica. En esta ocasión los acompañamientos que aderezan el contenido del disco son de sobra conocidos por todos, ni más ni menos que Piet Sielk(Savage Circus, Iron Savior) a la producción, con masterización a cargo de Tommy Hansen, en los Jailhouse Studios de Dinamarca.

Tras la esperable y nada sorprendente intro, “Heading Northe” abre el disco dejándonos ver que siguen por la senda abierta desde su disco debút de nombre homónimo, la clásica canción de apertura con buenos coros y estribillo pegadizo. El siguiente tema, “Metal Legacy” es el que más parecido tiene con lo que son los Gamma Ray actuales, donde Lars Ramcke no esconde la gran influencia que significó Kai Hansen a la hora de interpretar los temas.

“The Holy Cross” se sale por el momento de la tónica homogénea de lo escuchado hasta el momento, si bien no en el estribillo sí por su parte intermedia ralentizada, siendo un tema que podría venir firmado sin duda por los Accept del “Roussian Roulette”. La siguiente canción que me ha llamado la atención es “Ragnarök”, muy veloz y con un buen trabajo de guitarras en los solos con claras referencias neoclásicas. El único tema que se sale un poco de la tónica general es “The revenge of asa lande”, donde la banda levanta el pie del acelerador para ofrecer un ritmo  denso, oscuro, distinto. “Remember the oathe” es el tema que más me ha convencido del disco, muy rápido también, con un gran estribillo durante los  tres minutos y medio de duración.

“Into the battle” es el último tema, alejado del doble bombo que nos han ofrecido en prácticamente todo el disco, pero sin llegar a rematarse como un gran medio tiempo, siendo una canción más bien insulsa. Este tema viene unido junto a  la outro del disco con título evocador a la marcha de las valkirias.

Un disco más de power metal, con buen sonido, buena producción pero excesivamente homogéneo en la propuesta. Entretenido, que gustará a los amantes incondicionales del estilo, pero basado en un planteamiento tan concreto que hace que se haga un tanto redundante. ¿Un mal disco? En absoluto. ¿Novedoso? Pues tampoco. Si hay que elegir entre bandas de true-metal, me quedo con Teräsbetoni. 



martes, 27 de marzo de 2012

3 INCHES OF BLOOD - Long live Heavy metal (2012)


Buen disco de estos canadienses con un nombre tan curioso. Aquí tenéis mi review sobre el disco en cuestión. 

Review 3 Inches of Blood - Long Live Heavy Metal (RockInSpain)

lunes, 26 de marzo de 2012

MAGNUM - Wings of heaven Live (2008)

Una de las bandas más elegantes son los británicos Magnum. Aquí os cuento su directo-homenaje a un gran clásico en esta review.

En el mundo del rock, y más concretamente del heavy metal, la ciudad británica de Birmingham es la capital que vio nacer a dos de las bandas más influyentes del género, Black Sabbath y Judas Priest. De esta misma ciudad cercana al millón de habitantes, nació también la banda que os traemos en estas líneas, Magnum, formados a raíz de la unión del vocalista Bob Catley y el genio Tony Clarkin, auténtico motor de la banda desde sus origenes hasta nuestros días, y principal (y prácticamente único) compositor de todos los temas de la banda.

Tras más de veinticinco años de carrera, nos presentan en este doble CD el festejo del 20 aniversario de su disco más exitoso (que no el mejor, honor que recae sobre “Vigilante”, editado dos años antes) como fue “Wings of Heaven”. La gira incluyó 8 fechas por todo el Reino Unido durante el pasado Noviembre del 2007, desde Londres hasta su propia ciudad natal, extrayéndose las canciones de las grabaciones efectuadas en cada una de ellas.

En el primer CD nos muestran una interesante mezcla entre los mejores temas de su último disco de estudio, “Princess Alice And The Broken Arrow” y sus temas más famosos de otras épocas como “Vigilante”, “Back Street kid” o “Kingdom of madness”. La interpretación por parte de la banda es más que correcta,  con un Catley que si bien no es un dechado de potencia ni posee un chorro de voz imponente, sí que mantiene un papel bastante digno (sin alardes), pese a que en ocasiones los instrumentos le superen quedando su voz difuminada entre las 6 cuerdas y los colchones de teclado, como sucede por ejemplo en “Out of the shadows”.

Tratándose de un álbum en directo, se echa en falta uno de los aspectos que más influyen a la hora de escribir sobre la música en vivo, y este es la nula participación del público en la grabación final. Los temas suelen ser bastante fieles respecto las grabaciones originales, destacando como excepción que confirma la regla la revisión del clásico “How Far jerusalem”, cercana a los 10 minutos y donde el grupo se recrea con unos pasajes instrumentales interesantes e innovadores.

En la segunda entrega se interpreta de forma completa el disco “Wings of heaven”, tal cual se nos mostró en su lanzamiento de 1988. El inicio es arrollador con “Days of no trust” (magnífica interpretación) y “Wild swan”, notándose un mayor equilibrio entre la voz y los instrumentos, destacando Catley en uno de los temas que fue single en su momento, “Start talking love”. Muy bonita también la interpretación de la balada del disco, “Must have been love”, un tema muy AOR con un sonido que en este segundo CD me convence más que el obtenido en el primer CD, más limpio, con más equilibrio, mejores coros... e incluso en “Pray for the day” (nunca tocada en vivo anteriormente)  Bob se atreve a emular al gran Freddie Mercury en su interacción con el público. Como colofón final se marcan otro clásico de despedida, “Sacred Tour” del “Chase the Dragon”, con las consiguientes presentaciones finales de los músicos participantes.


Un directo elegante, recomendado tanto para los fans de Magnum (a los que encantará) como a los amantes del hard-rock elegante y de calidad. Y yo, como me incluyo en ambos condicionantes, he disfrutado, y mucho.

PAUL RODGERS - Live in Glasgow (2007)




Hay músicos en el mundo que no necesitan presentación, bastándose y sobrándose con poner su nombre para ser reconocidos unánimemente. Uno de esos músicos de los que no hacen falta muchas presentaciones es Paul Rodgers. Por si todavía hubiera algún despistado, comentar que ha sido la voz(y mucho más) de dos históricas bandas del rock como fueron primero Free y posteriormente Bad Company, pasando a su  vez por diversos proyectos con gente tan cualificada como Chris Slade o Jimmy Page(The Firm) o en los últimos años siendo ni más ni menos la voz que ocupa el lugar del gran Freddie Mercury en Queen, habiendo hecho una exitosa gira bajo el nombre de Queen+Paul Rodgers por todo el mundo en el año 2005.

En este disco grabado  en Glasgow, nos presenta Paul una selección de sus mejores temas cosechados en los diversos proyectos en los que participó. Predomina en la elección de canciones su etapa en Free, más del 50% de estos 17 temas son de la etapa de finales de los años 60 y comienzos de los 70 como el tema que abre el disco, “I’’ be Creepin’ de su segundo disco con nombre homónimo al grupo. Buen tema de apertura pero con un sonido que quizá no sea todo lo potente que esperáramos.

Los dos siguientes temas, pertenecientes también a Free y su disco “Highway”, nos reafirman las primeras sensaciones: las guitarras suenan demasiado monótonas y bajas respecto a lo que se pretende conseguir al mezclar un disco en directo. Paul en su línea, más cómodo en los medios tiempos (como  demostrará en los hits de Bad Co) que en las alturas. Y la sección rítmica, en un aparente segundo plano.
La banda que le acompaña es una mezcla entre la veteranía de gente como el batería Ryan Hoyle(Collective Soul) o Howard Leese de Heart, y la juventud insultante de un chico de 17 años como es Kurtis Dengler, el cual con su guitarra no se deja intimidar por ser triplicado en edad mostrándose más que correcto en toda la actuación.

No podían faltar temas que recuperó para su gira con Queen como los clásicos de Bad Company “Can't Get Enough of Your Love” y “Feel Like Makin' Love” (siendo dos temas donde destaca la portentosa voz de Rodgers) , o el gran éxito de masas que supuso  en el año 1970 la comercial “All right now”, su tema más conocido, coreado en todo momento por el público. La sorpresa de la noche la puso el tema “Radioactive” de su proyecto The Firm, ya comentado en la introducción.

Un disco recomendado para los amantes del rock más clásico, con una elección de temas indiscutible pero una producción mejorable, excesivamente blanda, que seguramente no sea (ni de lejos) de lo mejor que ha grabado Rodgers en su vida, pero sirve de muestra para demostrarnos que sigue en plena forma… encontrándose grabando nuevos temas para el futuro disco en estudio de Queen+Paul Rodgers. Permaneceremos a la espera.


GAMMA RAY - Land of the free II (2008)



Llevan ya varios años de capa caída, con algunos temas buenos pero alejados de sus tiempos de mayor éxito.
Con escepticismo y a su vez expectación recibíamos el nuevo disco de Hansen y sus pupilos, ya que si bien no habían estado especialmente lúcidos en sus últimos lanzamientos, el hecho de titularlo como la segunda parte de su obra maestra “Land of the free” hacía que tuviera un gancho si cabe mayor. Un disco con ese aura no podía ir acompañado de una mala carátula, y así sucede: la portada es sensacional, posiblemente la mejor que ha sacado Gamma Ray desde aquél disco sobre el país de la libertad.

El primer tema, “Into the storm” no invita al optimismo, pese a su dosis de fuerza parece que sigue en los patrones repetitivos que representan los últimos discos de la banda, pero por suerte pasa rápido, y en “From the ashes”, el siguiente tema, consiguen alcanzar cotas que no demostraban desde “Powerplant”, su último gran disco. Un tema muy Maiden en los bridges, tanto en las guitarras dobladas como en las líneas de bajo, y con un estribillo colosal. No se puede decir lo mismo del siguiente, “To Mother Earth”, donde se luce en el doble bombo Dan Zimmermann, pero que pasa por un tema excesivamente típico dentro del estilo que practican. Este  es uno de los puntos que creo Kai debe replantearse, y es intentar alejarse de los temas a piñón fijo y probar otras cosas, ya que es muy difícil sacar algo novedoso a estas alturas en este plan.
Mucho mejor es “Rain”, sin duda alguna. Interesante riff el que lleva la canción, con un gran trabajo por parte de los dos guitarras tanto en las rítmicas como en los solos, podría recordar a los  Helloween actuales, saliéndose del patrón típico comentado anteriormente, y que vuelve a demostrarse por ejemplo en “Leaving hell”, un pastelón manido y cansino, que abusa en exceso de todos los tópicos asociados al power metal alemán.

“Empress” pasa por ser el mejor tema del disco. Canción densa, con la batería alejada (¡¡por fín!!) del doble bombo, y un estribillo sospechosamente similar al  final del “Princess of the dawn” de Accept, tanto en ritmo como en el tratamiento de las voces. Si obviamos la originalidad, un tema  magnífico sin duda, que viene firmado por el batería firmado Dan Zimmermann.

“When the World” es otro tema rápido, a piñón fijo, con unos coros a lo Rhapsody a mitad tema que al menos sirven para salir de la monotonía. “Opportunity” es otro tema intenso, de ritmo candente y épico, que podría recordar salvando (y mucho) las distancias a algunas partes de “Rebellion in dreamland”. No ignorar el guiño a “The clairvoyant” de Iron Maiden en la parte central, y es que como ya todos sabemos, Kai es muy amigo de introducir detalles que puedan recordar a diversas bandas (riffs, punteos, líneas de bajo…), siendo éste un caso más. Aunque para similitudes, la de “Real World” con la archiconocida “I Want out”, de estribillos distintos pero estructura sospechosamente parecida, finalizando con otro “homenaje”, esta vez a Kiss y su Welcome to the show con el que finalizaban en  “Psycho circus”. Al menos no se puede decir que no haya variedad en los grupos escogidos.
“Hear me calling” e “Insurrection” son  dos temas totalmente prescindibles. El último es un tema largo, intentando conseguir lo que significó “Armageddon” por ejemplo, pero quedándose a mucho de ese gran tema.

Un disco contradictorio, que mejora de sobra a “Majesty” y “New World order”, pero que sigue sin redondear una obra completa al nivel de lo que nos tenían acostumbrados. Por un lado tenemos un fenomenal trabajo de todos los músicos y el acierto en introducir algunas variantes de ritmos más pausados, pero por otro los temas a piñón fijo son los que Kai debería replantearse para buscar nuevos horizontes, como los que llevan siguiendo y consiguiendo con éxito sus compatriotas y otrora compañeros, Helloween. A día de hoy, las calabazas vuelven a estar por encima de los rayos gamma…

domingo, 25 de marzo de 2012

STEVE LUKHATER - Ever Changing Times (2008)





Tercer disco oficial en solitario del guitarrista californiano de la mítica banda Toto, Steve Lukhater, un músico prolífico que no ha parado en los últimos 30 años de traernos material nuevo, ya sea con su banda madre, en solitario o con colaboraciones como la establecida en 2001 con Larry Carlton.

Tras una portada mejorable, abre el disco el tema que da título al álbum, “Ever Chanching Times”, corte directo y elegante con un pegadizo estribillo , de ritmo marchoso y coros refinados, pudiendo pasar por uno de los temas rockerillos de Toto sin ningún problema. El disco como se va viendo ya con el segundo tema, “The letting go”, podrá ser acusado de cualquier cosa menos monótono, ya que cada tema es totalmente diferente al anterior. En este caso es un tema clásico de A.O.R, lleno de acústicas y tempo intenso, con un gran trabajo a las voces por parte de Steve. “New World” es mi tema favorito del disco, una gran canción de hard rock, rápida y potente, con el mejor estribillo del disco, llegando a recordar ligeramente a Whitesnake. Sin duda el trallazo que más llegará a los menos seguidores del A.O.R más meloso.

En “Tell me what you want from me” hay cosas de Foo Fighters y Foreigner(suave al inicio, potente en el estribillo), un tema diverso y alejado de los patrones clásicos del rock melódico debido a sus toques progresivos y los continuos cambios instrumentales. Una pena que no se rematara con un buen estribillo ya que sino hubiera sido el bombazo del disco.

 Tras la balada “I Am”(bastante insulsa todo hay que decirlo), llega otro de los puntos divergentes del disco, “Jammin With Jesus”. Un tema con reminiscencias funkys, unas guitarras rozando lo étnico, un bajo percusivo muy presente y unos coros de música negra, que redondean otro de los puntos clave del disco sin duda alguna.

“Stab In The Back” podría venir firmada perfectamente por Paul McCartney, tanto en el desarrollo de la canción como en la tonalidad vocal, siendo una canción que si bien no sería de las mejores, sí que podría haber pertenecido perfectamente al “Off the ground” del exBeatle.

A partir de aquí el disco baja un poco su intensidad, “Never ending nights” es el  clásico tema pasteloso de toda la vida, siendo lo más destacable de aquí al final el último tema, The truth”, una instrumental donde suena a Mark Knopfler por los cuatro costados.


Para todos aquellos que se muestren escépticos por no ser fans de Toto(entre los que me incluyo), les animo a que le den una oportunidad a este disco porque realmente merece la pena. A todos aquellos que aman a Toto, les encantará este disco ya que siguen habiendo muchos de los atributos que caracterizan a los que crearon el himno “Hold the line”. Un disco difícil de etiquetar, mezcla de varios estilos, variado y con una producción colosal. A mí sin duda, me ha convencido. 


JUICIO DE DIOS - Mares de dolor (2007)



En diez canciones se nos presentan estos jóvenes valencianos con su segundo disco, practicando un power metal variado y entretenido siguiendo la estela de otros grupos como Furia Animal, Arwen o los primerizos Avalanch.

Tras un primer disco publicado en el 2005 como fue “Al Amanecer de los Tiempos”, nos llega en este 2007 “Mares de Dolor”, donde lo primero que llama la atención (además de su elaborada y enigmática portada), es la masterización del disco a cargo de Alberto Rionda en sus estudios asturianos Bunker.

            Centrándonos en lo musical, lo primero que destaca es la personal y maravillosa voz de Neus Ferri, cantante de la banda y que ofrece una variedad de registros que se sale de lo que últimamente más de moda está como son las voces líricas(a lo Tarja o Bea de Ebony Ark).

En cuanto a la producción, como suele pasar en la mayoría de casos no queda compensado el nivel de presencia de la voz y los instrumentos, cojeando normalmente una de las dos partes. En este caso, la voz suena mucho más presente que la base rítmica, y sobre todo las guitarras, las cuales han quedado demasiado bajas en mi opinión, ocasionando que en algunos temas casi ni se las escuche. Seguramente en directo suenen mucho más duros que lo que lo hacen en este disco. El sonido de batería también me ha parecido un tanto artificial(me ha recordado al utilizado por Alberto Ardines tanto en Avalanch como en Warcry), quizá por la mano de Rionda en las mezclas finales.

            El tema que abre el disco “La Luz del Sol” es posiblemente el más “Avalanch” de todo el disco, con los habituales “toques progresivos” y un estribillo la mar de pegadizo. Muy bueno también “Mares de Dolor”, que da título al álbum, por esos coros en contraste con la voz que bien podrían recordar a los Warcry actuales. Interesante trabajo de los dos guitarristas Rafa y J.Miguel en el doble juego rítmico/solista.

En “No hay rival” participa Manuel de Sphinx, ofreciendo un tema rápido que se ve ensombrecido por la nula repercusión y presencia de las guitarras en muchas partes del tema, en algunas de las cuales únicamente se escucha la base rítmica y voz(sabiendo que en el fondo, muy al fondo están las 6 cuerdas). La fusión de ambas voces masculina/femenina está muy conseguida.

            “Nómadas del Mar” es posiblemente mi tema favorito, una balada intensa e inmensa, donde quizá mejor suenen todos los instrumentos, con una letra muy sentida(referencias místicas al mar…) y un trabajo de piano como colchón de fondo tal cual necesitaría el tema. Un tema donde Neus alcanza a dar la emotividad necesaria para transmitir al oyente lo que la letra narra.

            “Al Alba” y “Las Voces del Mal” son dos temas rápidos, de pegadizos estribillos, que podrían haber entrado perfectamente en cualquiera de los discos de Shaman. Atentos al punteo “helloweeneano” en “Las Voces del mal”, demostrando que beben de diversas influencias, siendo este último otro de los puntos álgidos del álbum.


En resumen, un disco que no defraudará a los amantes del power metal nacional e internacional, con buenas melodías, estribillos accesibles y pegadizos, que mejorando los problemillas normales de producción(sobre todo en la subida de presencia de las guitarras para dar más consistencia al sonido), pueden dejarnos unos discos muy interesantes como este que “Mares de Dolor” que os hemos contado.

MÄGO DE OZ - La Ciudad de los árboles (2007)



No fue un gran disco, pero como curiosidad os pongo mi opinión sobre el disco que precedió a GAIA III.


Si Belfast sirvió para apaciguar la espera entre GAIA I y II, este disco sirve para tener contentos a sus fans antes de la llegada de GAIA III, y de paso, reencontrarse la banda con sus temas más básicos, directos, basados en sus doble faceta celta-rockera sin la ornamentación y complejidad que les había acompañado en los anteriores GAIAs.

Tras una intro cantada excepcionalmente por Patricia, se abre el disco como suele hacerlo Mägo de Oz(intros aparte) últimamente: con un tema elaborado, heterogeneo, "La ciudad de los árboles", cercano a los 7 minutos, y que me parece el que más podría entrar en la onda GAIA de los que aquí se encuentran. Sin duda, la joyita del álbum.

"Mi nombre es rocknroll" es el típico tema Motley Crue, desenfadado, chulesco, vacilón... cuya letra quizá en los 80 podía tener gracia, pero en el 2007 no ofrece nada nuevo bajo el sol. Enseguida nos encontramos con la primera versión del disco, "El universo sobre mi" de Amaral bajo el título de "El Rincón de los sentidos". ¿Ah, que no es una versión? Efectivamente, no lo es, pero su gran similitud en el estribillo bien podría confundir a más de uno.

"Deja de llorar"(no confundir con el de Stravaganzza) es un tema verbenero, que viene a ser la versión mejorada de "La posada de los muertos". "La canción de los deseos" podría ser la segunda parte del "Hoy te toca ser feliz". Muy celta, con gran protagonismo del acordeón, y una parte final muy interesante. Me gusta.

El single de adelanto, "Y ahora voy a salir"(Ranxeira)" en un primer momento me descuadró un poco, pero con las escuchas ha terminado por ser uno de los puntos álgidos del disco: una ranchera al estilo Mägo, con letra de referencias aztecas y ambiente de taberna, que en directo puede dar mucho juego. El tema instrumental que Mägo incluyen en todos los discos, en este caso recoge el posiblemente único punto oscuro, siniestro del disco, con un inquietante "Runa llena" como fondo.

Ahora sí, llega la versión del disco, que no es otra que el '39 de Queen. Cuando me enteré que la versionarían confiaba en que les quedara apañada, y el resultado me ha dado la razón. Mantiene la esencia del tema, tanto a nivel vocal como instrumental, y aunque la letra no le hace justicia (la música no acompaña a hablar de bares y barras),  es posiblemente la mejor versión  de Mägo desde "El templo del adios".

"No queda sino batirnos" ya la conocíamos (la compuso Txus para Ars Amandi), apareciendo a continuación "Sin Tí sería silencio", una balada un tanto insulsa, apoyada por las voces de Patricia como transición a otro tema rockero,"Si Molesto, Me quedo", de estribillo fácilmente coreable, ochentero, siendo el tema donde más y mejor lucen las guitarras.

Como outro tenemos una narración a modo de despedida, cerrando un disco entretenido, sin la complejidad de los GAIAs, lo cual gustará mucho a los que veían aquellos discos como algo excesivamente pretencioso, pero en el que yo echo en falta algún tema a lo "Santo grial" y por otro lado, una explotación de su lado más AORero (como consiguieron en la estupenda "Hazme un sitio entre tu piel"). 


HELLOWEEN - Gambling with the Devil (2007)








El último gran disco de los alemanes data del año 2007. Aquí os dejo mi crítica.


Tras el grato sabor que nos dejó su anterior publicación Keeper of the seven keys, The Legacy,esperábamos ansiosos la publicación del nuevo disco de la banda germana.

Una voz conocida (y reconocida) como la de Bill Byfford de Saxon nos introduce lo que será el contenido musical con las palabras que dan título al álbum, “It´s gambling with the devil” que se solapan con el primer tema, “Kill It”, un cañonazo al más puro estilo “Push” que destaca principalmente por un bridge sensacional, no todo lo bien rematado en el estribillo como prometía su inicio, abriendo el álbum de una manera estupenda. “The Saints” es un tema de tempo más relajado, con un Deris que en los tonos medios lo borda, y un estribillo hímnico que puede recordar a “Born on judgement day” o a los primeros discos de Freedom call. Sin descanso llegamos al primer single del disco, “As long as I fall”, el mejor adelanto que han sacado desde el Better Than Raw, de comienzo similar a “If i could fly “(esas teclas…) acompañado de un estribillo espectacular, un tema 100% Deris que representa a la perfección lo que son Helloween a día de hoy. “Paint a new World” recupera la rabia y dureza de la apertura, sin ofrecer apenas nada más.

Lo que sí ofrece, y además en gran cantidad, es un estribillo(otro más) genial, el siguiente tema, “Final Fortune”. Un tema alegre, que representa de manera inmejorable el lado feliz que tanto ha caracterizado al grupo durante su carrera, viniendo firmado por uno de sus fundadores, el bajista Markus. Sin duda una de las dos joyas del álbum.

“The Bells Of The 7 Hells“ es otro tema directo, fuerte, que parafrasea el “God help me“ que alentaba Hetfield en la archiconocida “One“, que sirve de antesala al tema más lento del disco, “Fallen To Pieces“,de inicio baladístico un tanto soso que a mitad canción toma un aire épico, serio, intimista, como contraste a la evolución llevada hasta el momento. Solapada a la anterior llega “I.M.E”, una canción que bien podría haber entrado en el criticado (en mi opinión injustamente) “The Dark Ride”, por su densidad y distorsión.

 “Can Do It” es el típico tema Weikath de los últimos discos que tanto decepciona. Un tema sin mucha chispa, de melodía manida, que si bien sí mejora temas similares de anteriores discos (“Do you feel good” o “Mr.God”), al lado de tanto tema bueno desentona un poco.

 Cuando ya parecía que lo mejor había pasado, nos topamos con la mejor canción del disco, y una de las mejores que han facturado las calabazas en sus últimos tiempos, “Dreambound“. Inicio rápido, con la base rítmica llevando el peso de la composición en todo momento, desembocando en un estribillo como hacía tiempo no se había oído. Imposible no parar de tararearlo una vez escuchado. Y como remate final, otro gran tema, “Heaven tells no lies“, tema épico, de casi 7 minutos, donde más y mejor lucen las guitarras(reminiscencias ochenteras incluídas), acompañadas de otro estribillo colosal.

Tras el irregular "7 Sinners", deberían recuperar la senda de este gran disco.

viernes, 23 de marzo de 2012

Entrevista Pepe Herrero (STRAVAGANZZA)


Una de las entrevistas más interesantes, por la predisposición del entrevistado, fue la realizada a Pepe Herrero, músico de Stravaganzza, cuando apareció el tercer disco de la banda, Requiem.

Entrevista Pepe (Stravaganzza) - Rock In Spain

martes, 20 de marzo de 2012

Entrevista Tony Hernando (Saratoga)




Entrevista que realicé al actual guitarrista de Saratoga en el 2008, donde nos contaba toda su trayectoria desde los orígenes hasta la llegada a Saratoga. 





SARATOGA - El Clan De la Lucha (2004)





El disco que nos ocupa tenía el peligro de ser el sucesor de una obra maestra como era “Agotarás”, disco que llevó al grupo de Jero y cia a lo más alto del heavy nacional, con un Leo y Dani totalmente integrados y unos temas impresionantes que culminaron con la grabación de ese DVD en directo que llamaron “A morir”, casualmente como una de las canciones del mismo. Los indicios eran buenos, y más cuando nos enteramos que venia con un DVD de regalo, que mas tarde contaremos.
A pesar de todo, el comienzo no era del todo bueno: la portada era fea de cojones, y el famoso digipack se doblaba como si de papel de fumar se tratara.

Dejando al margen detalles materiales pasamos al disco, y tras una intro denominada como el álbum, aparece el primer single del mismo:”San Telmo 1940”. Mientras lo vas escuchando te da la sensación de que algo grande va a suceder, es un cúmulo de buenos riffs, dos o tres partes diferentes y un estribillo directo y contundente, elementos que se repetirán a lo largo del disco, impresionante comienzo. Tras un tema mas sosegado como“Lejos del tiempo”, aparece otro cañonazo directo al grano y con la voz de Leo llegando a cotas altísimas: “Maldito corazón”. Comienza directamente con el estribillo, y a partir de ahí el tema no pierde un ápice de dureza, el tema más directo y cañero del álbum, buenísimo. “Decepción” y “Angel de barro” son dos temas secundarios en mi opinión, “No” tiene una letra de las que llega y recupera algo el tono, y tras estos tres temas que rebajaban un poco la intensidad inicial, llega la balada del disco y una de las que mas me gusta de las escuchadas en castellano:”Si amaneciera”. Escrita por Jero y dedicada a su padre fallecido, es emotiva a más no poder, a mí al menos me ha llegado muchísimo. 

“Blanco y marfil” es un tema rápido y animoso, pero te da la sensación que lo mejor ya ha pasado (que no es poco por cierto). Y Y ahí es cuando aparece “Nuevo mundo” con el estribillo más comercial del disco y que hace que lo cantes nada más escucharlo, tras éste un “Tu nombre mi destino” fantástico, y para terminar el tema speedico del disco, el tema power, “Buscando el perdón”, que corona de una forma maravillosa este disco. Lo que más me ha gustado del disco ha sido eso, que comienza tan bien como termina, y eso hace que te mantenga en vilo durante toda la escucha. Por ahora, y a falta de dos meses, disco nacional del año.

El DVD de regalo incluye el videoclip de “San Telmo 1940”, siete temas en directo y entrevistas junto al Making off, en total mas de hora y media de imágenes que complementan este estupendo disco. Imprescindible.

Decir que fue este disco el que ayudó a darle nombre a la actual banda de Jero Ramirez, "Santelmo", en concreto debido al primer tema ya citado. 



MEGADETH - The System Has Failed (2004)




Mi banda favorita del thrash metal, injustamente tapada por la fama de Metallica, pero con varios discos geniales y otros al menos, interesantes. De esta hornada no tan genial os traigo su lanzamiento del 2004.

Dos detalles llaman la atención antes de pasar a lo musical:Una portada que trae a la cabeza enseguida su gran clásico “Rust in peace” y la formación que ha grabado el disco: Dos músicos que nunca habían formado parte de la banda(Vinnie Colaiuta a la bateria y Jimmy Sloas al bajo) y el guitarrista del “Peace sells but who´s buying”, Chris Poland.

En lo musical, lo mas importante, como sucede con los nuevos lanzamientos de grupos clásicos y que tienen obras maestras, es intentar olvidarse del pasado, ya que cualquier comparación puede llevar a la desilusión. El disco empieza con “Blackmail the universe”, sin un gran estribillo pero con un solo intermedio alucinante. Puede recordarte ligeramente a algún tema del “So far, so good, so what” debido a esa mala leche en la forma de cantar y en la crudeza del sonido. El tema que le sigue, es el mejor que ha hecho Mustaine entre sus dos últimos discos, “Die dead enough” es un tema melódico, con ese estribillo made in Mustaine que se te queda a primeras, muy buen gusto en la parte musical, buenos solos..qué mas queremos?? Tras pasar por “Kick the chair” ,un tema mucho mas directo y veloz que el anterior, llegamos a “The scorpion”, que podría entrar perfectamente en “The World needs a hero”, no aporta nada nuevo. 

El otro punto álgido del disco lo tenemos en “Back in the day”, comienzo rápido, estribillo resultón y cambio de repente para terminar de una forma totalmente distinta, esos cambios que tanto se agradecen en un tema. “Truth be told” ,” Of mice and men”, “My kingdom is come”.. temas que les siguen y poseen mucho interés en lo musical, pero les falta ese algo mágico que todos esperamos para considerar un tema de pasable a cojonudo. 

En resumen, si te olvidas que el grupo que firma este disco es Megadeth te quedará un mas que buen sabor de boca, pero como el humano es débil y tiende a comparar siempre, a mí me sigue cojeando este disco pese a tener momentos increibles, por mucho que supere a su predecesor (no era muy difícil). 


PERSUADER - Evolution Purgatory (2004)





Ocho años después de su publicación, recupero lo que escribí allá por el año 2004 sobre el segundo disco de Persuader. 

Mucha gente todavía desconoce la existencia de este grupo sueco, y lo que aquí recuperamos es su segundo álbum Evolution Purgatory. Lo que nos vamos a encontrar en este disco es una mezcla de los primeros Blind Guardian, con una producción actual, muchos mas coros, unos riffs cercanos al death melódico y rematado con estribillos pegadizos. ¿Suena bien, eh? Empieza con “Strike down”, el cual es potente, directo, riffs muy marcados y una voz que si no te lo dicen, te piensas que es Hansi Kursch. Es difícil elegir un tema del disco, pero si lo hago me quedaria con “Masquerade”, el mas bardo del disco, muy melódico y con unas grandes voces. Entre los temas mas cañeros del disco se encuentra “Turn to dust”, directo al grano, o el regrabado “Fire at Will”, que abría su disco debút y aquí suena mucho mejor sin perder ni un ápice de la potencia que desprendía en aquél. 

 Tanto alabar el sonido y la producción, os preguntareis qué quien ha conseguido tal cosa, no? Piet Sielck, líder de Iron Savior y afamado productor con otras tantas bandas(estuvo en los inicios de Helloween y ha colaborado con Blind Guardian también) es el artífice, a parte de colaborar en algunos coros, como era lógico y normal. Para mí, este fue el disco del año 2004. Si no lo conocíais, ahora es el momento.